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Nouveauté chez AudioB

Projection à courte focale sans fil pour des présentations confortables – PT-TW350

3300 lumens WXGA

Projection sur un écran de 2m de diagonale à 80 cm de l ‘écran

Entrées multiples dont HDMI

Table de mixage numérique A&H SQ6 + rack externe 16/8 – 96khz et enregistrement multipostes

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Nouveauté chez Audio B

Maverick MK1 SpotFully featured 350W LED yoke spot fixture including CMY color mixing, a color wheel, zoom optics, and two gobo wheels, one rotating, and one static16-bit dimming of master dimmer for smooth control of fadesVariable CMY color mixing system to create a wide pallet of colorsDMX, WDMX, sACN, and Art-Net for full flexibility of control optionsRDM Enabled for remote addressing and trouble shooting7° to 33° zoom angle for variable beam sizesIris, 3-facet prism, and frost for beam controlTrue 1 compatible power inputBattery backup touchscreen display with auto rotate depending on fixture orientation
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Entretien d’une guitare – Le grand nettoyage de printemps

L’hiver est terminé, c’est donc le moment de vous lancer dans votre grand nettoyage de printemps. Avant de foncer tête baissée dans l’astiquage et le lustrage de votre instrument, il est nécessaire de réaliser une petite inspection. Et cela s’applique à toutes les guitares, qu’elles soient acoustiques ou électriques.

L’inspection

On apprécie la chaleur du chauffage et du feu de bois pendant l’hiver mais la guitare, elle, un peu moins. Si il y a une chose qui ne pardonne pas, même pour les instruments peu sensibles, c’est bien la sécheresse de l’air. Vous avez une guitare sous la main ? Faites glisser votre pouce et votre index sur l’arête du manche; si vous sentez que les extrémités des frettes dépassent, alors il faut passer à l’action. L’air trop sec à privé le bois d’humidité et celui-ci s’est  contracté.

Si vous avez une pièce avec une humidité élevée, vous pouvez toujours y laisser votre instrument quelques jours. Avec un peu de chance, le problème de contraction du bois sera réglé. Mais la solution la plus élégante, permettant de maintenir votre instrument en pleine forme tout au long de l’année, est l’utilisation d’un humidificateur spécial disponible sous différentes versions. Par exemples les modèles Taylor Guitar Humidifier, Planet Waves PW-GH, Grover Humidifier 7960 qui se fixent dans la rosace, ou les modèles Dunlop Herco Gitarren Humdifier HE360 et Planet Waves PW-SIH-01 qui eux se déposent dans un étui, assurent une humidité constante à un niveau sain. Vérifier l’état de la guitare de temps en temps est également conseillé; le Harley Benton Humi Doctor est un outil approprié qui indique le pourcentage d’humidité actuel.

Si vous n’avez pas relevé de problème lors de l’inspection, alors vous pouvez commencer le programme de soins : la guitare doit retrouver son aspect neuf, le vernis doit briller, la touche doit être nettoyée, et les frettes doivent être polies. Tous les bois et vernis sont différents. Cela signifie que vous devez tout d’abord connaître le type de bois de votre instrument, si il est verni, et si oui, avec quelle sorte de vernis. Peut-être que le fabricant a fourni des instructions d’entretien que vous devrez impérativement suivre car tous les produits nettoyants ne sont pas adaptés à toutes les guitares. En cas de doute vous pouvez toujours contacter nos experts qui auront des réponses à toutes vos questions.

Voici quelques conseils sur la manière d’effectuer l’entretien et sur les produits que vous aurez besoin.

Le manche

Le nettoyage des manches et touches vernis est l’opération la plus simple lors de l’entretien d’une guitare. Il est possible des les nettoyer avec des produits qui seront ensuite utilisés pour le corps. Toutefois, il faut rester prudent avec les instruments un peu âgés dont la couche de vernis présente déjà certains défauts, et ceux avec des touches en érable clair. Pour ces instruments un nettoyage doit être plutôt sec car les détergents liquides peuvent causer une décoloration. Pour les touches non vernies en palissandre ou ébène, nous vous conseillons l’usage de produits d’entretien tels que les Sandberg Fingerboard Oil, Dunlop Lemon Oil, ou Dunlop Formula 65. Un simple chiffon en coton n’est pas toujours approprié. Le chiffon de polissage PRS PS-ACC-3131, parmi tous ceux de notre assortiment, offre un nettoyage complet sans rayer les surfaces. Si la saleté est tenace, il suffit de la mouiller un laps de temps, et pour les touches sombres, il est possible d’utiliser de la laine d’acier 0000 ou plus fine. Si vous préférez une solution tout-en-un, alors le chiffon de nettoyage/polissage GHS Gorgomyte fera votre bonheur.

Astuce: Desserrer les cordes et les retirer des encoches du sillet facilite le travail.

Les cordes

Si les cordes restent montées sur l’instrument, des produits d’entretien comme le GHS Fast Fret, et nettoyants spéciaux pour cordes comme le Dunlop Formula 65 ou le Fender Speed Slick ne les nettoient pas uniquement et les rendent plus durables, mais font également du bien aux manches. Des nettoyants combinés et revitalisants comme le D’Addario XLR8 String Lubricant & Cleaner Set améliorent la longévité des cordes et réduisent le bruit lors du glissement des doigts.

Astuce: Les cordes revêtues (coated) ne nécessitent habituellement pas de soins spéciaux, la propreté est assurée en les frottant après avoir joué avec un chiffon non pelucheux humidifié avec de l’eau. Le premier choix sont des chiffons en microfibres de haute qualité tels que le Lakewood Microfiber Polishing Cloth.

Les frettes

Lorsque l’on travaille avec de la laine d’acier fine, non seulement les touches non vernies ressortiront comme neuves, mais également les frettes seront polies. Si vous souhaitez traiter les frettes encore plus intensément, alors vous pouvez utiliser des chiffons de polissage spéciaux comme le set Dunlop Micro Fine Guitar Polish 5410 ou les gommes de polissage Göldo Fret Polishing Rubber.

Astuce: Pour protéger le bois entre les frettes, l’utilisation du fourreau de protection Göldo WS045 Fretboard Guard est recommandé. N’oubliez pas de couvrir les micros car ils accumules les débris de métal des frettes et de la laine d’acier!

L’accastillage

Une fois les touches et frettes entretenues, c’est au tour de l’accastillage. Le set Harley Benton Hardware Polish et d’autres autres produits d’entretien comme le Fender Custom Shop Guitar Polish assureront une excellente optique des chevalets, mécaniques et toutes autres pièces métalliques. Les lubrifiants comme le Gewa Micro Teflon sont idéaux pour un fonctionnement sans friction des mécaniques, et plus spécialement pour les sillets, il est conseillé d’utiliser des lubrifiants comme les Big Bends Nut Sauce, Super Vee Super Glide Nut Evolution et similaires.

Le corps

La manière la plus simple d’effectuer des travaux de soins sur une guitare est d’utiliser des sets de produits qui contiennent normalement tout le nécessaire comme le d’Andrea Guitar Care Kit Deluxe ou Dunlop Maintenance Kit. Mais bien sûr, vous pouvez aussi trouver dans notre large gamme beaucoup de nettoyants et polishs individuels spécifiquement adaptés aux vernis et bois de votre guitare. On les trouve sous forme de vaporisateur comme le Dunlop Formula No. 65, ou sous forme de crème comme le PRS Polish ACC-3111. Il existe des cires d’entretien comme le Dunlop Carnauba Wax, et des produits sans cire comme le GHS Gloss Non-Wax. De nombreuses marques proposent leurs propres produits d’entretien garantissant une utilisation sans risques sur les surfaces et vernis spéciaux de leurs instruments, comme le set Gibson Luthiers Choice AILC-975 ou Fender CS Deluxe Guitar Care Kit.

Ces suggestions s’appliquent en grande partie à vos guitares acoustiques. Cependant, vous devez impérativement suivre les instructions d’entretien des fabricants, parce que les précisions concernant les vernis ou autres finitions sont souvent rares.

Astuce: L’achat de chiffons d’entretien spéciaux comme le Planet Waves PW-MPC n’est pas un luxe, car les chiffons en coton traditionnels utilisés pour les tâches ménagères laissent souvent des traces et des rayures fines sur les vernis.

Auteur:

Passionné par la guitare, la musique et le son, Charlan a rejoint Thomann en 2005 et a joué dans divers groupes aux influences funk.

 

Source : https://www.thomann.de/blog/fr/lentretien-de-la-guitare/

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Bien Choisir Votre Médiator

Le médiator est au départ de la chaîne du signal, et dire que le son est « fait » avec les doigts n’est vrai qu’en partie. Toujours est-il qu’un médiator est un élément majeur qui détermine donc en grande partie le caractère sonore. Bien sûr, les doigts de la main posés sur le manche jouent également leur rôle pour modeler le son avec du vibrato et autres techniques diverses mais quelle influence a un médiator sur le signal amplifié ou acoustique ? Est-ce que les différentes formes, matériaux et épaisseurs ont leur importance ? Est-ce que tout cela est clairement audible ?

Matériaux

Beaucoup de demi-vérités entourent les matériaux utilisés pour la fabrication de médiators. L’un de ces mythes est celui d’un médiator taillé dans une dent de Satan qui donnerait des pouvoirs miraculeux à son utilisateur : d’autres infos sur ce spécimen particulier se trouvent dans le film « Tenacious D and the Pick of Destiny » mettant en scène Jack Black et Kyle Gass 😉

La majorité des médiators utilisés de nos jours sont en matière plastique. Déjà utilisés dans la Grèce antique sous le nom de « plectre », les médiators étaient alors fabriqués en bois, ivoire, corne ou métal. Au 19ème siècle l’utilisation de plume était fréquente, mais au fil du temps il s’avéra que l’utilisation d’un objet de la taille d’un bouton était plus pratique. Les médiators en os, bois, corne ou matériaux similaires tels que l’écaille de tortue étaient particulièrement populaires. Ils avaient de bonnes propriétés sonores et étaient aussi un peu plus élastique que les autres matériaux. Cependant, la production a été interdite par une loi en 1973 obligeant l’utilisation d’autres matières premières servant à la fabrication de matières plastiques. Depuis longtemps des recherches sont effectuées. Luigi D’Andrea fabriquait déjà en 1922 ses premiers médiators en celluloïd, jusqu’à présent la matière plastique la plus largement utilisée. Dunlop eu un grand succès avec ses médiators en nylon, et à la recherche de matières de remplacement pour imiter le son produit par l’écaille de tortue, il découvrit le Delrin utilisé pour la fabrication des médiators Tortex, une autre série jouée par de nombreux guitaristes. Alors que des marques telles que Dunlop, Fender, D’Andrea, Planet Waves produisent des médiators standards en matière plastique, d’autres fabricants utilisent d’autres matériaux. Par exemple, le fabricant britannique Timber Tones propose des médiators en bois, pierre, perle, corne, os et même en cuir. Certains fabricants produisent des médiators en métal.

Formes

Un médiator est généralement triangulaire ou en forme de goutte d’eau et se tient habituellement entre le pouce et l’index. La forme goutte d’eau, développée par D’Andrea et Fender et communément appelée Nr. 351 est souvent le standard. Dunlop propose la forme goutte d’eau dans une version plus petite (Jazz Picks ), les versions triangulaires sont quant à elles souvent utilisées par les guitaristes acoustiques. Il existe des différences au niveau des pointes pouvant être plus ou moins arrondies. Dunlop propose par exemple les médiators Sharp complètement pointus et très appropriés pour les attaques rapides. Les médiators triangulaires Herdim sont cultissimes avec différentes épaisseurs sur chaque coin et un côté en forme de vague. La même chose s’applique pour les médiators Sharkfin avec une pointe plus mince et plus étirée avec également un côté ondulé.

L’épaisseur des médiators se mesure en millimètres. Voici les différentes désignations:

Extra Light: 0,38 à 0,50 mm
Thin/Light: 0,50 à 0,70 mm
Médium: 0,70 à 0,90 mm
Heavy: 0,90 à 1,2 mm
Extra Heavy: Plus épais que 1,2 mm

Quel médiator est le bon pour moi ?

Question difficile – vous devez essayer de trouver la réponse vous-même. Tout d’abord, vous devez tester quelle forme est la plus adaptée pour vous. La forme de goutte d’eau est la plus polyvalente. Lors des attaques d’accords, le médiator est tenu de manière moins ferme que lors du jeu de notes simples ou de phrases de solo. Une pointe arrondie produit une tonalité légèrement plus douce, un médiator pointu est bien adapté pour un jeu de solo précis. Soit dit en passant, il n’est pas gravé dans le marbre que vous devez toujours utiliser la pointe. Il paraît même que Stevie Ray Vaughan aurait souvent joué avec le côté arrondi des médiators. Si vous maintenez votre médiator toujours de la même manière, alors des modèles avec une surface rugueuse (Max Grip) seront bien adaptés. Par contre si vous les tournez souvent dans votre main, le choix de médiators avec une surface lisse est préférable. Ensuite, vous devez trouver l’épaisseur et le poids avec lesquels vous vous sentez le mieux. Chaque petit détail a son importance. Si votre attaque est douce, le choix de médiators fins sera judicieux, et pour les attaques fortes avec des cordes de gros tirants, le choix de médiators plus épais sera nécessaire. Tout dépend de la résistance requise. Un médiator trop dur peut éventuellement empêcher une bonne fluidité de jeu. Si un médiator est trop mou, il peut y avoir une perte de dynamique : malgré une bonne attaque, la faible résistance du médiator produira un volume peu élevé. Les médiators durs produisent une attaque plus claire et définie que les versions souples.

Pour cette raison, nombre de guitaristes utilisent des Dunlop Nylon (0,60 mm) particulièrement agréables pour les prises de son avec des guitares acoustiques. Pour les guitares électriques le choix se porte souvent les Dunlop Nylon 0,73 mm avec des cordes Custom Light (009 – 046). D’autres utilisent plutôt des médiators 1,5 mm avec un tirant 011 – 052. A notre avis des cordes minces jouées avec un médiator souple offrent un son agréable, et de plus le jeu est plus détendu. Mais posez des questions à dix guitaristes et vous recevrez au moins onze réponses. Par conséquent ne vous laissez pas trop influencer et expérimentez pour trouver VOTRE son.

Qui joue quoi ?

Nous avons effectué une sélection de guitaristes et leurs médiators préférés par rapport à des infos trouvées sur internet, mais bien sûr il n’y a aucune garantie car les guitaristes changent souvent leur équipement. Surprise ou non: en principe, en dehors de quelques exceptions, tous les guitaristes utilisent des produits standard entre leurs doigts.

Brian May Ancienne pièce de six pence britannique
Eric Clapton Ernie Ball Picks Heavy (0.94 mm)
John Mayer Dunlop Tortex 0.88 mm, Dunlop Tortex 1.14 mm
James Hetfield Dunlop Tortex 0.88, Dunlop James Hetfield Black Fang 1.14
Angus Young Fender Extra Heavy
David Gilmour D’Andrea TG 351 0.96 mm
Jimmy Page Herco Flex 75 (0.75 mm)
Mark Tremo
nti Dunlop Jazz III, Dunlop Nylon 1.0 mm
The Edge D’Andrea Médium Nylon
Zakk Wylde Dunlop Tortex Pitchblack Jazz (1.14 mm)
Billie Joe Armstrong Dunlop Tortex 0.73 mm, Dunlop Tortex 0.88 mm
Dave Grohl Dunlop 0.73 mm Gator Grip
Billy Gibbons Dunlop Gels Extra Heavy
Dave Mustaine Dunlop Tortex 0.73
Carlos Santana V-Picks (3 mm)
Dimebag Darell Dunlop Tortex 0.88 mm
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Passionné par la guitare, la musique et le son, Charlan a rejoint Thomann en 2005 et a joué dans divers groupes aux influences funk.
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Comment choisir son micro chant ?

Cet article est destiné à tous ceux qui sont un peu perdu dans la jungle des micros ! Choisir un micro pour le chant n’est pas chose simple. Entre les types de micros : statique, dynamique, ruban, électret…, les directivités : omni, cardioide, super cardioide…, les caractéristiques : bande passante, SPL max… L’offre est énorme alors comment s’y retrouver ?

Beaucoup de micros sont prévus pour une utilisation live, du dynamique moins chère au condensateur le plus cher en passant par le ruban. On pourrait se dire que plus vous chantez dans un micro cher meilleur ce sera. Alors pourquoi les ingénieurs du son live se tournent-ils vers des modèles relativement peu couteux ? La raison est que, contrairement au micro de studio où la règle du « tu as ce que tu payes » généralement règne, en live il y a certain facteurs à avoir en tête autres que la fidélité audio optimale. Vous chantez dans des salles aux dimensions variables, avec une acoustique différente à chaque fois, dans des conditions de température et d’humidité pas toujours idéales. Tous ces facteurs auront donc une incidence, le challenge consiste à trouver le meilleurs compromis pour être sur que votre voix se fasse entendre.

Cela revient souvent à choisir un micro robuste, simple de conception. Comme un chanteur sur scène se déplace souvent micro à la main il faut un micro peu sensible aux bruits de manipulation.

quelles que soient les circonstances, il est important de connaitre les modèles de microphones et comment chacun d’eux fonctionne afin de faire le choix le plus éclairé. Pour commencer, nous allons examiner quelques notions de base du microphone:

Les types de micros :

Le micro dynamique :

Micro Shure SM58

Le microphone dynamique est le plus courant et généralement le moins cher. c’est l’une des raisons pour laquelle il est  le choix le plus populaire des chanteurs live.  A l’intérieur du micro on trouve une petite membrane mince, en plastique qui se déplace en fonction des ondes sonores qui la percutent. Lorsque le diaphragme se déplace d’avant en arrière, il déplace en même temps une bobine générant ainsi un champ magnétique qui à son tour génère un courant électrique dans le fil. Etant donné que la masse de la membrane et la bobine mobile est en fait assez grande par rapport à l’énergie qui est contenue dans le signal acoustique, il faut du temps pour mettre en mouvement le diaphragme. C’est ce qui limite la vitesse à laquelle il peut se déplacer. Il s’agit de l’inertie. Pour cette raison, les micros dynamiques ont tendance à mal réagir à des fréquences élevées par rapport aux autres types de microphones, mais cela est généralement pas trop d’un problème avec la voix, où le détail de son n’est pas aussi important que dans un studio. Ils ont l’avantage d’être très robustes et très fiables sans nécessiter une source électrique pour fonctionner.

Le micro statique à condensateur :

Micro audio technic AT2010

Au coeur d’un micro à condensateur, ou micro « statique », on trouve une paire de plaques métalliques parallèles l’une de l’autre, espacées d’environ deux centièmes de millimètre. L’une est le diaphragme, elle est mobile, et autre est fixée sur le micro. Le diaphragme se déplace au rythme des ondes sonores qu’il rencontre. Lorsque l’espacement entre les plaques changements, la capacité varie – rappelez-vous ces cours de physique ! Si une tension de polarisation charge la capsule, un petit signal électrique est alors produite, qui décrit l’onde sonore.
Le signal électrique produit est beaucoup plus petite que celui d’un micro dynamique, c’est pourquoi un préamplificateur est nécessaire pour ramener le signal jusqu’au niveau du microphone normale. Il ne s’agit pas du préampli micro que mous connaissons, indispensable pour tous les micros, mais plutot d’un système électronique intégré au micro. C’est la raison pour laquelle ce type de micro nécessite une alimentation appelée fantome. L’alimentation fantome est une tension de retour transitant par le cable et fournie par le préampli micro.

Bien que le micro à condensateur ait une réponse en fréquence étendu, il devrait donc sonner généralement mieux qu’un dynamique mais n’il est pas nécessairement le meilleur choix pour le live. La différence de qualité peut ne pas être du tout perceptible et la réponse en fréquence étendue peut également être susceptible de créer des larsen.

Les micros à ruban :

Micro m160Le micro à ruban est en fait un cas particulier de la famille des micros dynamiques. Au lieu qu’une bobine soit attaché à un diaphragme séparé, le micro à ruban utilise un ruban très fin comme diaphragme, suspendu entre deux aimants. Son mouvement généré par les ondes sonores produit un signal électrique semblable au micro dynamique. La masse du ruban étant très faible, la réponse en fréquence peut se rapprocher du micro à condensateur.

Appréciés pour leur son chaud, ils présentent quand même certains inconvénients et ne sont sont généralement pas le premier choix en raison de sa très grande fragilité. même si Beyer et Royer produisent certains modèles adaptés à la scène. Etant moins populaire et moins répandus, ils ont tendance à être plus onéreux.

Les micros électrets :

Micro DPA DFactoLes micros électret fonctionnent sur un principe similaire au condensateur, la principale différence étant que la charge électrique n’est pas fournie par une alimentation externe, mais plutôt par le micro lui-même. Les micros électret utilisent un diaphragme fabriqué à partir d’un matériau isolant avec une charge électrique permanente. Un pré-amplificateur est encore nécessaire, mais cela peut être construit à très faible cout et fonctionne au moyen de l’alimentation fantôme, ou dans certains cas une batterie. La  conception a été améliorée – le matériau chargé de façon permanente est fixé sur la plaque arrière fixe plutôt que le sur le diaphragme, d’où le terme «back-électret ». De cette façon, des membranes beaucoup plus minces peuvent être utilisées, constituée de la même matière plastique revêtue de métal comme un véritable modèle de condensateur. Une alimentation basse tension est toujours nécessaire pour l’amplificateur, mais plus besoin de la source de polarisation à haute tension, les électrets fonctionnent généralement sur batteries que via l’alimentation fantôme.
Ce type de conception est un bon compromis, car il peut avoir la qualité sonore d’un condensateur, mais il est plus robuste et plus économique à fabriquer. Leur sensibilité élevée leur permet de capter le son à plus grande distance, et ils sont donc souvent choisi pour des chœurs ou orchestres, mais ils peuvent être aussi bien utilisé pour les chanteurs sur scène. Il existe notamment le micro DPA D:Facto qui réuni les avantages d’une grande sensibilité, large bande passante et robustesse.

Les différentes directivités :

Tous les micros ne captent pas le son de la même manière par exemple, certains sont conçus pour ne capter le son qu’en provenance d’une seule direction, tandis que d’autres captent le son de l’avant et à l’arrière, mais pas sur les côtés. Ces caractéristiques directionnelles sont un facteur important lors du choix d’un micro de chant.

Directivité omnidirectionnelle :


La réponse en fréquence d’un micro avec une directivité omnidirectionnelle est la même quelque sois sa position, indépendamment de la provenance du son. Ces micros ont tendance à êtres les plus précis naturellement. En studio ils sont souvent choisis comme micro d’ambiance. Même s’ils peuvent s’avérer utiles en live, ils sont plus susceptibles de générer du larsen.Micro directivité omnidirectionnelle

Directivité cardioïde

Le cardioïde est ainsi nommé parce que sa zone de captation à une forme de coeur. Les micros cardioïdes captent le son en face de la membrane, tout en rejetant le son de derrière. Ce modèle est généralement créé par la présence de chemins derrière la capsule. Ce sont des chemins acoustiques ou «labyrinthes» destinés à diriger les ondes sonores, de sorte que seul le son provenant directement en face de la membrane soit capté. Ce type de modèle est idéal car il rejettera tout du son environnant, en particulier ceux provenant des haut-parleurs qui, une fois capté par le microphone, pourrait générer du larsen.

Alors que le cardioïde est le plus commun, il souffre de «l’effet de proximité» c’est à dire une exagération des basses fréquences lorsque le chanteur chante très près du micro. Ceci peut tout de même être tourné en avantage lorsque vous souhaitez apporter plus de chaleur à la voix mais vous perdrez en clarté et intelligibilité. Une erreur commune des chanteurs est de tenir le micro au niveau de la partie inférieur de la grille, bloquant ainsi les tunnels et le transformant en omnidirectionnel, entrainant des larsens.Micro Directivité cardioide

Directivité super et hyper cardioïde

La directivité super cardioide permet d’avoir un angle de captation très resserré sur le devant. Ceci est très utile lorsque d’autres musiciens jouent de part et d’autre car il captera très peu les cotés. Par contre la présence d’un lobe arrière vous oblige à placer les retours légèrement de coté et pas directement dans l’axe au risque d’accrocher un larsen.Micro Directivité hypercardioide

Les caractéristiques techniques :

La réponse en fréquence :

Il s’agit d’un graphique représentant la plage de fréquence du micro. De la fréquence la plus basse à la fréquence la plus haute qu’il peut capter. Il permet aussi de montrer la sensibilité du micro par rapport à certaines fréquences précises.

La sensibilité :

La sensibilité exprime la capacité du microphone à convertir le mouvement de la membrane en une tension électrique. Pour mesurer avec précision la sensibilité d’un microphone, un fabricant le placera dans un «champ sonore de référence» pour mesurer la tension de sortie contre une pression acoustique connu. La sensibilité est habituellement exprimée en mV / Pa. Un nombre plus élevé indique que le micro est très sensible. La sensibilité est en générale peu importante en live, car les micros sont généralement placés très près de la source.

Le bruit propre :

Un microphone, comme tous les appareils électroniques, génère du bruit. Le niveau est généralement très bas. Cependant, le bruit du microphone peut être un problème avec des sources sonores très faibles.  Les fabricants sont conscients de ce problème et de nombreux micros sont maintenant annoncés comme ayant un faible bruit. Les micros dynamiques ont généralement un très faible bruit car ils ne possèdent pas les composants électroniques bruyants comme des condensateurs. Comme avec la sensibilité, cette spécification est peu importante en live.

Le niveau SPL (sound pressure level) :

Niveau SPL est une norme de référence qui indique le niveau sonore en dB que le micro est capable de capter avant écrêtage. La capacité d’un microphone à gérer des pressions sonores élevées sans distorsion est principalement déterminée par sa construction. Les micros dynamiques sont généralement les plus solides à cet égard et peuvent généralement gérer des SPL de 140 dB ou plus. Les microphones à ruban sont les plus faibles et peuvent effectivement être détruits par de trop haut niveau. Bien que la membrane de la plupart des micros à condensateur ne distord généralement pas, le préamplificateur peut être surchargé au point de distordre. Beaucoup de micro statiques ont un pad permettant de réduire le niveau du signal avant le pré-ampli pour éviter la surcharge.

 

Auteur: Antoine

Source : http://www.musictips.net/choisir-son-micro-chant

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Sans fil sur scène

De nos jours il existe des systèmes sans fil performants adaptés à tous les budgets, des modèles d’entrée de gamme abordables aux modèles professionnels. Souvent, les modèles ne diffèrent que par leurs fréquences de travail, et comme il y a eu beaucoup de mouvement dans l’attribution des fréquences autorisées au cours des dernières années, vous vous demandez peut-être: que signifient ces termes? Quelle fréquence dois-je utiliser? Et en quoi sont-elles différentes? Vous trouverez ces réponses dans cet article.


Les termes de base

La transmission sans fil se compose toujours de deux éléments nécessaires: un émetteur qui reçoit le signal provenant d’une source (microphone ou instrument) et l’envoie au récepteur qui reçoit le signal. Ceci est appelé la « liaison radio ». Bon, jusque là tout va bien.

Sennheiser XSw 35 Vocal Set E-Band

La nature de l’émetteur détermine quel type de système sans fil est adapté à vos besoins. Pour les chanteurs et les présentateurs, il existe des systèmes sans fil avec micro à main classique, petit micro cravate à attacher sur votre col ou micro serre-tête avec ou sans casque de monitoring. Il existe aussi bien sûr des systèmes sans fil pour guitares / basses électriques.

Rode Lavalier

De nombreux appareils utilisent la technologie Diversity qui permet d’assurer la continuité des transmissions sans fil sans interruption du signal. Il empêche les ondes radio réfléchies -des oppositions de phase causées par les murs ou plafonds- provoquant des annulations, phénomènes communs dans des environnements fermés, en particulier sur de longues distances.

Les appareils avec Pilot Tone permettent un contrôle du fonctionnement ainsi que des fonctions telles que la mise en veille automatique. Le Squelch est un noise gate (détermine le seuil entre le bruit et le signal) qui est ajusté par un contrôle du seuil et veille à ce que le signal audio ne siffle pas quand la réception du signal est trop faible.

Shure BLX14/B98 S8 UHF Wireless System

Un émetteur sans fil est normalement alimenté par des piles (jetables ou rechargeables). Pour ceux qui utilisent leurs appareils fréquemment, il pourrait bien être utile d’obtenir une station de charge et des piles longue durée. Cela permet de réduire considérablement les coûts d’exploitation à long terme vu le prix des piles jetables. Pour une utilisation sur scène régulière et un transport fréquent, vous devriez envisager un flightcase ou utiliser un kit de montage en rack pour sécuriser votre émetteur pour toute installation fixe.

Shure SB902 - passend für GLX-D Funksysteme

Vous pouvez également utiliser plusieurs systèmes sans fil en même temps sur scène, par exemple, un pour le chanteur, deux pour les guitaristes, etc. Veillez à ne pas entrecroiser les fréquences des uns et des autres. Le signal de chaque combinaison émetteur-récepteur doit être transmis sur un canal séparé, pour éviter les interférences et intermodulations (interférences causées par la somme et la différence des fréquences).

Le plus souvent, lorsque le matériel utilisé provient du même fabricant, vous pouvez regrouper tous les canaux utilisés en tant que groupe, pré-alloué et prêt à utiliser.

A prendre en considération – Bases légales

Neu bei uns im Shop: XVive Wireless System U2. Cooles Design!

L’utilisation de bandes de fréquences dans un pays donné est régi par le Plan national d’attribution des fréquences (tableau national d’attribution des fréquences), qui est susceptible de changer au fil du temps. Beaucoup de fréquences utilisées jusqu’à récemment par des musiciens ou radio, ont été privatisées ou totalement bloquées. L’utilisation non autorisée en cas de limitations, ou de non-paiement de la «licence» dans le cas de la privatisation, peut conduire à de lourdes amendes.

Aujourd’hui, les émetteurs sans fil pour les musiciens passent à travers un maillage de signaux HF (« HF » signifie haute fréquence). De nombreux fabricants proposent leurs antennes sans fil avec des équipements identiques, mais avec des fréquences différentes. Une abréviation correspondante derrière le dispositif indique habituellement dans quelle gamme de fréquence la transmission du signal a lieu.

Le musicien amateur est considéré comme une personne privée et peut utiliser un système sans fil sans inscription préalable. Pour ce type d’utilisateurs, certaines gammes de fréquences sont réservées. Ils sont cependant très limités par rapport aux fréquences professionnelles, et sont donc assez difficiles à mettre en place lors de grandes configurations sans fil.

Si l’organisateur de l’événement auquel vous jouez est en règle, il n’y a pas de problèmes. En tant qu’utilisateur professionnel (ce qui signifie « un utilisateur régulier»), vous êtes obligé d’enregistrer les fréquences que vous souhaitez utiliser, en précisant votre but. D’autre part, certaines gammes de fréquences sont disponibles, qui sont largement conçu pour permettre aux systèmes sans fil complexes.

Pourquoi, comment et où? – Avantages, possibilités et lieux

Mais quelle fréquence radio est la bonne pour vous? Cette réponse dépend fortement du nombre de systèmes sans fil vous avez l’intention d’utiliser et combien en même temps.

Jetons un bref regard sur les différentes bandes de fréquences. Il existe cinq zones de libre-inscription disponibles aux amateurs. Les fréquences les plus basses indiquent la bande VHF obsolète, qui va de 174-230 MHz. Il permet l’utilisation d’un petit nombre de canaux et ne sont pas particulièrement fiables.

La bande dite « du milieu » dans la norme LTE couvre les fréquences 823-832 MHz. Cette gamme de fréquences est conçu pour être suffisamment large pour faire fonctionner un ou deux micros sans fil pour les petits événements ou de taille moyenne. Cependant, des erreurs de fonctionnement peuvent se produire dans le domaine des émetteurs LTE.

La bande de fréquences à l’échelle européenne (ISM) fonctionne entre 863 et 865 MHz. En raison de sa faible bande passante, elle est adapté pour l’installation de deux à quatre liaisons radio max. Il est intéressant de noter que l’équipement de maison tels que des écouteurs radio, babyphones etc, ont également accès à cette gamme de fréquences. Selon l’application, les perturbations sont donc susceptibles de se produire plus fréquemment que dans d’autres gammes de fréquences.

En plus de cela, il y a aussi des gammes de fréquences sans inscription:

  1. a) 1492 à 1518 MHz
  1. b) 1785 à 1805 MHz

La bande a) ne peut être utilisée que dans les bâtiments, et la bande b) a été sensible aux décrochages. Certains fabricants cependant, promettent le fonctionnement parallèle de 12 liaisons sans fil maximum.

the t.bone TWS One A Headset

De plus en plus de systèmes sans fil transfèrent un signal audio numérique converti, dans la gamme de fréquence 2,4 GHz. Cette gamme est utilisée par les WLANs et est également disponible pour le Wifi. Cependant, elle ne propose que de petites plages et est aussi sujette à la latence. II est possible d’avoir une installation d’un maximum de cinq à six émetteurs fonctionnant en parallèle.

Coûts et enregistrement

the t.bone free solo 600 Ovid Sax Set

L’enregistrement de l’attribution des fréquences est réglementée par les gouvernements dans la plupart des pays. La durée réelle d’utilisation n’est pas prise en compte. Si vous avez un appareil qui est soumis à cet enregistrement, vous serez obligé de payer, tout simplement pour l’attribution des fréquences. Les coûts sont différents pour différents groupes d’utilisateurs et sont redéfinis chaque année, ce qui vous oblige à vous tenir à jour.

Conclusion

Tout cela peut sembler déroutant au premier coup d’œil. Toutefois, si vous savez comment et où vous voulez utiliser vo(s)tre système(s) sans fil, vous pouvez remarquer les caractéristiques et les gammes de fréquences appropriées. De cette façon, vous pouvez exclure une grande partie de la vaste gamme de systèmes sans fil et trouver celui dont vous avez besoin. En tant qu’amateur-musicien vous avez une variété de fréquences disponibles gratuitement. Si vous êtes un professionnel, alors vous aimerez probablement à choisir la plus large gamme de bandes de fréquences.

Comme le domaine des fréquences radio est très concurrentiel et en constante évolution, les utilisateurs professionnels, qui, à long terme veulent miser sur le côté sécuritaire, devraient s’engager dans le domaine des fréquences professionnelles avec des dispositifs de fréquences de transmission inférieures.

Auteur :

Charlan est blogueur et passionné par la guitare, la musique et le son. Il a rejoint Thomann en 2005 et a joué dans divers groupes aux influences funk.

 

Source : https://www.thomann.de/blog/fr/la-transmission-sans-fil/

AudioB, Matériel

Comment Choisir son ampli bass

Vous avez enfin passé cette étape: vous êtes maintenant équipé de votre nouvel instrument et un groupe de potes ayant une vocation similaire vous a déjà rejoint pour monter un groupe. Ne reste plus qu’à choisir l’ampli basse qui va bien. Alors combien de Watt, quelle marque, quel style et puis, tant que nous y sommes, nous verrons aussi ce qu’il en est du baffle. 


Lampes ou transistor… Les deux mon capitaine?!

Ampli à lampes
Pendant longtemps la lampe régnait en maître absolu et incontesté dans le monde de l’ampli. Mais ces jours sont révolus depuis longtemps ! Bien que cette chaleur si particulière colore encore le son des amplis Ampeg SVT CL ou Orange AD200B Mk3 grâce aux distorsions harmoniques amenées par les lampes. Mais les têtes d’amplis à lampe sont souvent fragiles (satané humidité! 😉 et sujet à diverses pannes si l’entretien n’est pas constant. Lors de tournée cela peut vite être un gros problème entre le bus et la pluie! Ces amplis sont de plus, relativement lourds avec des dimensions imposantes. Il reste cependant quelques bassistes qui n’échangeraient pour rien au monde leur ampli à lampe!

Ampli à transistor
La première chose que l’on remarque c’est son poids… si léger! Et les copies modernes équipées d’amplificateur de classe D tels que les Eich Amplification T300, Markbass Little Mark Ninja, Aguilar Tone Hammer 500 ou le TC Electronic BH250 redéfinissent les normes de l’amplification d’instrument avec seulement quelques kilos et des dimensions très compactes. Beaucoup de ces têtes d’amplis pourront se retrouver même dans la poche de votre étui basse. Idéal donc pour tous ceux qui doivent se déplacer pour jouer, pas seulement en voiture ou en transport, mais aussi en avion!

Markbass Little Mark Ninja

Ampli hybride
Mais si on est vraiment emballé par le son des amplis à lampe? Encore une fois il y a une solution: l’ampli hybride! Des amplis tels que EBS Fafner II, Markbass TTE 501, Markbass Little Mark Tube ou  Hartke LH-1000. L’ampli hybride se compose d’un préampli à lampe pour récupérer le son chaud de celle-ci et d’une amplification de puissance à transistor. Les avantages sont donc évidents, son de lampe accompagné de la puissance et de la neutralité des transistors. La génération précédente de têtes d’ampli à transistor était trop sèche et trop aseptisée au goût des bassistes, cette nouvelle génération devrait leur redonner du poids, au sens figuré bien sûr.

EBS Fafner II Bass Amp Head

Amplis deux canaux
La prochaine chanson a besoin d’un son rond et doux mais une partie de cette dernière nécessite un son avec une bonne grosse distorsion, pas de problème! Certaines compagnies fabriquent des amplis avec deux canaux; un canal pour un son clair et un canal pour un son saturé, les deux pouvant fonctionner seuls ou bien se combiner. Des amplis comme le Darkglass Microtubes 900, le Orange OB1-500 ou le Gallien Krueger MB800 permettent une intervention précise sur le son grâce à leurs deux canaux. Le changement de canal n’est pas rare, il est très pratique et agréable de pouvoir changer de son facilement (grâce à la pédale footswitch) entre et pendant les morceaux!

Orange OB1-500 Gallien Krueger MB800

Ampli à modélisation
Vous ne voulez plus de compromis? Vous n’arrivez pas à vous décider entre un ampli vintage ou un ampli moderne? L’ampli à modélisation balaye toutes ces considérations d’un simple geste. La modélisation des amplis est aujourd’hui fonctionnelle et efficace comme le démontre si bien le Markbass Bass Multiamp. Les prix sont sensiblement plus élevés et la prise en main plus complexe, mais avoir sous les doigts une dizaine d’amplis et de baffles dans un seul boitier compact, ça n’a pas de prix!

Markbass Bass Multiamp Mono

Les amplis à lampe sonnent tous pareils?
Les têtes d’amplis à transistor aussi?

Evidemment non. Malgré les similitudes structurelles, on peut dire que chaque fabricant possède plus ou moins son propre son. Une classification importante peut et doit néanmoins être faite : des constructeurs tels que Ampeg ou Orange ont une véritable identité sonore facilement reconnaissable pour une oreille avertie. D’autres fabricants tels que Glockenklang ont cependant choisi de reproduire le signal de basse de le manière la plus pure et la plus transparente possible.

Combien de Watt/puissance doit avoir mon ampli?

La puissance des lampes n’a rien à voir avec la puissance des transistors. Sur un ampli à lampe, une puissance de 100 à 200 Watt est déjà énorme! La distorsion harmonique des lampes mentionnées plus haut en est la cause: le signal peut apparaître plus «épais» et «fort» que celle des amplis à transistor qui affichent la même puissance. Les amplificateurs à transistors de 350 Watt constituent une limite: une puissance inférieure ne conviendra pas si vous voulez être prêt pour les groupes qui jouent fort et les grandes scènes.

Les amplificateurs modernes de classe D qui affichent une une puissance de plus de 1000 Watt n’ont rien d’extraordinaire. Même si vous ne déployez pas complètement tous ces Watt et que vous en avez encore « sous la pédale », cette réserve de puissance est appelée « Headroom » et permet d’avoir une très bonne dynamique même à faible volume. Donc : plus il y a de puissance, mieux c’est!

La neutralité des transistors possède un avantage de taille : elle vous permet de pouvoir jouer tous les styles sans trop de coloration. Les bassistes qui ont plusieurs groupes ou envie de jouer beaucoup de styles différents pourront faire le boulot correctement. Et avec une puissance minimum de 350 Watt, vous pourrez jouer partout. Attention cependant, il est préférable, sur les grosses scènes, de s’écouter sur les systèmes de retour de scène, cela permettra aux autres musiciens et à vous-même de pouvoir mieux s’écouter mutuellement. Ne vous inquiétez pas pour le public, la sonorisation s’en charge!

Le baffle

Comme pour les amplificateurs, le nombre de baffles disponibles sur le marché ne cesse de croître. Vous devrez le choisir selon votre budget et vos goûts personnels.

Le baffle avec haut-parleur 10″
Les haut-parleurs les plus populaires dans le monde de la basse électrique ont une taille de dix pouces.  Ils permettent de reproduire le signal de la basse avec ses transitoires rapides et convient donc pour le jeu technique moderne comme le Slapping (excellent en Funk), le Tapping (souvent présent dans les solo) ou encore par exemple pour un groove au médiator (Métal).

Cependant, les haut-parleurs de cette taille sont naturellement limités  dans la reproduction des basses fréquences du fait de leur petite taille. Pour cette raison, les fabricants ont eu la bonne idée de mettre plus d’un haut-parleur de 10 pouces dans un baffle. Les surfaces des membranes sont donc couplées et, de cette manière, permet à l’air de se déplacer « d’un bloc ». Forcés à être en configuration multiple, les haut-parleurs 10″ se retrouvent dans des baffles en possédant deux ou quatre voire même huit! Cela influe inévitablement sur le poids du baffle, mais les fabricants ont plus d’un tour dans leur sac, et les bobines néodyme ultra-légères soulagent nos pauvres dos de bassiste. Mais il faudra quand même bien le porter ! Alors les petits détails comme les poignées, renforcées tant qu’à faire, ne sont pas si anodins, les baffles Markbass Standard 104HF, Glockenklang Take Five Neo ou Hartke HX410 HyDrive en possèdent!

Le Baffle 15″
Un son de basse profond peut vous aider à conquérir l’audience, il est même très important et nécessite un haut-parleur de plus grandes dimensions. Il doit cependant être bien défini pour ne pas « polluer » le son en façade et sur scène, et d’ailleurs, l’inutilisation de haut-parleur de 18″ en est la cause. Le haut-parleur 15″ quant à lui, possède une forte pression acoustique dans le grave tout en maintenant une faible distorsion. Les haut-parleurs 15″ modernes présents dans les baffles Harley Benton BB115T, Ashdown Toneman 115 Deep ou  Mesa Boogie Subway Ultra-Lite 1X15 ont cette profondeur et cette définition.

Stack / Combinaison
D’autre part, comme les haut-parleurs 15 pouces ne sont pas aussi rapide dans les transitoires que les dix pouces,  beaucoup de joueurs de basse combinent un baffle de 4x 10″ avec un baffle de 1x 15″. Le résultat: le meilleur des deux! Cettte combinaison de baffle est appliquée depuis plusieurs décennies comme le stack classique. Bien qu’un tel système nécessite de bien ranger sa voiture ou le bus de tournée, le gros son bien gras compense largement l’effort logistique!
Remarque: vous pouvez bien sûr également combiner d’autres types de baffles – tout est autorisé! Cependant veuillez respecter les spécifications de puissance et d’impédance appropriées des différents produits afin d’éviter des dommages au matériel!
Deuxième remarque: les baffles des différentes marques ne possèdent pas forcément la même taille et ne s’empilent pas forcément correctement. Ceux du même fabricant sont souvent conçus pour, grâce à des encoches pour une parfaite stabilité. Mais parfois non! Surtout d’une série à l’autre. Alors calculez bien votre coup!

Le baffle 12″
Voila un compromis intéressant. Bonne pression acoustique, rapidité des transitoires et définition dans le grave. Souvent négligé car il ne descend pas aussi bas que le 15″, il pourrait vous surprendre et même mieux correspondre au style de votre groupe, qui sait? Allez donc jeter une oreille aux Gallien Krueger NEO212-II-8 ou au Orange OBC212, vous pourriez être bluffé!

Monitoring In-Ear – avec ou sans?

De nombreux bassistes utilisent ce système de retour intra-auriculaire (In-Ear c’est quand même plus simple), petit et souvent fabriqué sur mesure. Même s’ils se plaignent que la basse ne peut pas être entendue dans un si petit espace, il possède de nombreux avantages : on s’entend partout et plus besoin de se trimbaler le stack complet, il peut rester à la maison ou à la salle de répétition. Il vous faudra certainement un peu de temps pour vous habituer à porter ce système et à être « isolé » des autres, mais vous pouvez toujours enlever une oreille pour avoir un peu le son de la scène. Le deuxième avantage non négligeable est la sécurité, comme vous pouvez régler votre volume tout en bénéficiant d’une isolation acoustique, adieux les acouphènes!

Un plus gros son grâce aux préamplis externes!

Si la basse peut se brancher directement dans la table de mixage (avec une DI si la table ne possède pas d’entrée instrument), le son de l’instrument est cela dit souvent « trop propre », perçu comme « sans corps » et presque ennuyeux. Les préamplificateurs externes sont un excellent remède qui se placent entre la basse et la table de mix. Des produits tels que  Darkglass Microtubes B7K Ultra, Radial Engineering Bassbone V2, EBS Micro Bass II ou  Ampeg SCR-DI rempliront cette tâche avec brio. Attention : comme pour les amplificateurs les préamplis de certaines marques sont plus ou moins colorés. Seuls les goûts personnels trancheront!

Auteur :

Charlan est blogueur et passionné par la guitare, la musique et le son. Il a rejoint Thomann en 2005 et a joué dans divers groupes aux influences funk.

Source : https://www.thomann.de/blog/fr/guide-dachat-les-amplis-basse/

 

Historique des marques

L’histoire de Clay Paky

1976
Pasquale Quadri was one of the first entrepreneurs to anticipate that the technological evolution in lighting would have had an enormous future in the show and entertainment world.
On 28 August 1976 he founded Clay Paky and began a long period of research which led to a new generation of unprecedented lighting effects.

1982
Clay Paky’s history features a number of original, innovative products successfully imitated by other international manufacturers.
Such is the case of ASTRODISCO, presented in 1982 using a single lamp to create dozens of luminous rays.
1983 was the year of Clay Paky’s ASTRORAGGI, which soon became a “classic” in nightclubs.

1987
In 1987, Clay Paky launched BRILLIANT, forerunner of a new generation of “intelligent” projectors.
This was followed by the clamorous success of GOLDEN SCAN, the intelligent projector acclaimed by the specialized press as « the world’s most popular and best-selling projector ». Golden Scan’s success was further confirmed by GOLDEN SCAN HPE, the succeeding model.

1990
In 1990, Clay Paky launched SUPER SCAN, for the most professional entertainment settings, and MINI SCAN, the compact scanner.

These were followed in 1992 by the pioneering PIN SCAN, an agile and compact moving body projector.

1994
SUPER SCAN ZOOM
made its debut in 1994. It was the first projector with a CMY system, equipped with variable focal length for focusing light beams.

1997
1997 marked the appearance of STAGE SCAN with its endless graphic effects and the Multi Step Zoom. In the same year, Clay Paky launched MINI SCAN HPE, which astounded the public with its staggering luminosity and power. 1997 also marked the new DISPLAY LINE, an innovative series of projectors for visual communication, renowned for being versatile, compact, user-friendly and ideal for projecting informative and promotional messages.

1999
STAGE LINE
, a complete range of 6 moving body projectors using from 300W to 1200W, was introduced in 1999. Its top models, effects projector STAGE ZOOM 1200 and washlight STAGE COLOR 1200, were characterized by unprecedented power and optical precision and soon became benchmark products for major international productions in theatres, TV sets, music tours and many other professional fields.

2000
In the following years, Clay Paky has mainly operated in two areas: further expansion of the professional sector and development of the architectural field. This first market sector witnessed the launch of the revolutionary STAGE PROFILE PLUS SV. It is the first, most complete and sophisticated moving body beam shaper available on the market with an exclusive patented profile system. This product belongs to the SILENT VERSION family, a line of the world’s most silent professional moving projectors: STAGE PROFILE 1200 SV, STAGE ZOOM 1200 SV e STAGE COLOR 1200 SV.

2002
In 2002, Clay Paky moved its headquarters to Seriate (Bergamo) in a strategically located industrial complex of 10,000 m² within a total surface area of approximately 33,000 m². And it is here at its new headquarters, that its dedication to quality is superbly manifested, in keeping with the criteria of UNI EN ISO 9001, which Clay Paky received that year.

 

Marked a new generation of color changers: the CP COLOR line covers a range from 150W to 575W, including projectors for theatrical and television use (models for 150, 250 and 400 Watts), a moving body projector (CP COLOR MH) and two IP65 projectors specially designed for outdoor settings: CP COLOR 150-E and CP COLOR 575.

2004
Clay Paky launched ALPHA, a series of 575 Watt moving body projectors with unprecedented performance levels. This line included effects projectors ALPHA SPOT HPE, ALPHA SPOT and washlight ALPHA WASH, which all featured optics, zoom, color system and unique special effects.

 

2006

ALPHA SPOT HPE 1200 and ALPHA WASH 1200 emerge as industry standards

 

2008

Clay Paky established a new trend for super-concentrated narrow beams with the launch of the ALPHA BEAM 300, a product followed quickly by the ALPHA BEAM 700 and 1500. The new Beam concept revitalized the moving head market, creating an entirely new category of effects.

 

2010

Debut of SHARPY, a radical new concept that stunned the industry and won a string of awards. Using just 189W of power, the tiny Sharpy produces an intense, laser-like beam, bright enough to rival far larger, higher wattage fixtures.

 

2011

Clay Paky comes on the LED market with GLOW-UP, a portable battery powered IP65 uplight, and with A.LEDA, a line of versatile moving head LED-washes

 

2013

B-EYE is one of the most highly innovative LED luminaire ever designed: it incorporates three different operating modes – wash, beam and effect light – without any compromise in quality or light emission.

 

2014

MYTHOS, SUPERSHARPY and STORMY are « The Projectors », featuring the highest brightness and performances in relation to their compactness and nominal power.

 

0ctober 2014

Clay Paky become part of the Osram Group, one of the most important manufactures of light sources in the world

 

August 2016

Clay Paky acquires ADB Lighting Technologies, a company specialized in Theatre and TV lighting, creating ADB Stagelight SASU

 

Source : http://www.claypaky.it/en/company/history